Steven Spielberg, Martin Scorsese, Brian De Palma, George Lucas
et Francis Ford Coppola, à l’anniversaire de Scorsese
Brian Russell De Palma, né le 11 septembre 1940 à Newark dans le New Jersey, est le cadet d’une famille protestante de trois fils. Les parents, Anthony et Vivienne De Palma, laissent leurs garçons cohabiter dans un climat de concurrence, où chacun vit pour soi et s’achète par exemple les mêmes revues de science fiction pour compléter sa propre collection. Les yeux sont surtout tournés vers l’aîné, l’arrogant Bruce dont l’orgueil finira par lui faire perdre la raison. Insociable, il deviendra peu à peu misanthrope, partira vivre sur une île de Nouvelle-Zélande et mourra dans la plus grande solitude à la fin des années quatre-vingt-dix. De son côté, le jeune Brian cultive très tôt une passion pour la physique dont il décide de faire sa spécialité (en partie pour s’attaquer au terrain de Bruce, également passionné de ce domaine). Adolescent surdoué, fasciné par l’astronomie et la science-fiction, il conçoit lui-même des ordinateurs et reçoit de nombreux prix, localement puis au niveau national.
À dix-sept ans, il est récompensé par une médaille d’or pour une thèse portant cet obscur titre de : L’application de la cybernétique à la résolution d’équations différentielles (An Analog Computer to Solve Differential Equations). Plus intéressé par l’univers électronique des ordinateurs, il n’accorde pas encore beaucoup d’importance au septième art qu’il considère comme du loisir. Les films qui passent au cinéma le samedi soir représentent surtout l’occasion de sortir avec une petite copine. Néanmoins, deux films de Michael Powell découverts à la télévision le marquent : The Red Shoes et The Thief of Bagdad.
Pendant ce temps, les relations entre ses parents se dégradent. Son père, qui exerce les métiers de professeur médical puis de chirurgien orthopédique, trompe sa femme avec une infirmière. La mère n’a pas suffisamment de courage pour le quitter mais assez pour tenter de se suicider. Après l’avoir trouvée avec une boite entière de barbituriques vidée, Brian conduit sa mère à l’hôpital. Ne pouvant pas laisser une situation comme celle-là s’envenimer, le jeune surdoué de la technique ira, muni d’un appareil photographique, sur les traces de son père qu'il suivra pendant plusieurs jours. En prenant des clichés de lui avec sa maîtresse, Brian acquiert ainsi le matériel nécessaire à présenter pour obtenir le divorce de ses parents…
Brian De Palma quittera le foyer familial pour entrer à l’université Columbia de New York, dans le but d’achever sa formation et de devenir astrophysicien. 
Mais pendant sa première année de faculté, âgé alors de dix-huit ans, il est fortement marqué par la vision d’un film découvert dans une salle new-yorkaise : Vertigo d’Alfred Hitchcock. La compagnie d’étudiants cinéphiles, d’amateurs de théâtre, l’arrivée d’Europe de nouvelles formes cinématographiques avec Godard, Truffaut, Rossellini ou Antonioni, et la fréquentation régulière des ciné-clubs, créeront chez lui la révélation. En 1958, Brian De Palma laisse définitivement tomber la physique, et s’oriente vers des études artistiques…
Jean-Luc Godard a une influence considérable sur lui. Il réalise son premier court métrage d’étudiant en 1960, Icarus, suite à l’abandon de son réalisateur initial. C’est suivi l’année suivante de 6601224, The Story of An IBM Card, et surtout Woton’s Wake en 1962, pour lequel il remporte plusieurs prix. Au cours de ses études au Sarah Lawrence College, De Palma aborde le long-métrage avec The Wedding Party, co-réalisé avec Cynthia Munroe et un professeur d’art dramatique, Wilford Leach, qui aura une importance déterminante pour De Palma. C’est une comédie en partie improvisée par les comédiens dont c’est les débuts à l’écran : Robert De Niro et Jill Clayburgh. 
Le réalisateur en herbe poursuit son apprentissage sur divers documentaires et courts métrages dont The Responsive Eye consacré à une exposition d’Op Art au Musée d’Art Moderne de New York. En 1967, il revient au long métrage avec Murder à la Mod, thriller sophistiqué émaillé de références hitchcockiennes. L’euphorie contestataire des années soixante inspire De Palma. 
En s’interrogeant sur les paradoxes artificiels de la société américaine et l’absurdité de la guerre du Vietnam, il livre les comédies satiriques novatrices Greetings (Ours d’Argent au Festival de Berlin) qui sera le premier film classé X aux Etats-Unis, et Hi, Mom!, deux films prouvant que c’est l’un des meilleurs jeunes talents de la Nouvelle Vague américaine. Entre-temps, il réalise Dionysus in ‘69, film documentaire sur un happening filmé en écran partagé, technique qu’il reprendra dans plusieurs de ses films. De Palma devient une légende parmi les cinéastes new-yorkais indépendants, et de grands studios hollywoodiens commencent alors à s’intéresser à lui. Il se voit ainsi offrir des projets plus importants.
On lui propose une comédie : Get to Know Your Rabbit, qu’il réalise en 1971 avec pour acteurs Tom Smothers, Katharine Ross et une très grande figure du cinéma alors sur le déclin, Orson Welles. Mais les relations avec les producteurs sont conflictuelles et De Palma est viré avant le montage. Il se change les idées en partant s’installer en Californie avec le futur « Nouvel Hollywood » (Spielberg, Lucas, Scorsese…), dans la maison des actrices Jennifer Salt et Margot Kidder. 
À Noël, il offre aux deux comédiennes un scénario qu’il a écrit pour elles, Sisters, qu’il tourne en 1973. Rompant avec le style à moitié improvisé de ses précédents films, il affirme ici d’exceptionnelles qualités d’écriture, un sens de la construction, du cadrage et du rythme dignes des meilleurs réalisateurs hollywoodiens. La consécration artistique arrivera l’année suivant ce coup de maître, lorsqu’il signe le thriller musical Phantom of the Paradise qui remporte en 1975 le Grand Prix du Festival d’Avoriaz. En 1975, il écrit et réalise Obsession, thriller romantique interprété par Cliff Robertson et Geneviève Bujold, où il rend un bel hommage à Hitchcock.
En 1976, il porte à l’écran le premier roman de Stephen King, Carrie, et, en dépit d'un timide marketing, c’est le triomphe international qui vaut une nomination à l’Oscar pour Sissy Spacek et Piper Laurie. C’est la première et une des plus brillantes transpositions de l’œuvre de Stephen King. Sa célèbre séquence finale, qui a fait brusquement jaillir les popcorns de salles tremblantes, et certains procédés du film, ont été depuis largement imités. Le film a révélé John Travolta (ici dans son tout premier rôle), Amy Irving et Nancy Allen que De Palma épousera en 1979 (ils divorceront en 1983).
En 1977, De Palma dirige Kirk Douglas, John Cassavetes et Amy Irving dans The Fury, film d’espionnage mêlant occultisme et politique-fiction. 
En 1978, il réalise Home Movies toujours avec Kirk Douglas, et aussi Nancy Allen et Keith Gordon, et le concours de ses étudiants en cinéma de Sarah Lawrence College. Cette comédie semi autobiographique retrace directement ses propres aventures d’adolescent quand il espionnait son père.
C’est au cours des années quatre-vingt que sa réputation d’affreux jojo du cinéma américain prendra forme, avec des films provocateurs où les perversions sexuelles gratinées, les meurtres au rasoir, à la perceuse ou à la tronçonneuse, scandaliseront et lui vaudront quelques démêlés avec les féministes. Ce sera le cas notamment avec Dressed to Kill qu’il réalise en 1980, interprété par Michael Caine, Angie Dickinson et Nancy Allen, qui est considéré aujourd’hui comme l’une des grandes réussites de sa carrière, 
tout comme Blow Out qu’il écrit et met en scène en 1981, hommage à sa façon au Blow Up d’Antonioni. Il explore avec ces deux films deux thèmes dominants de son œuvre : voyeurisme et manipulation. Mais malgré leurs indéniables qualités, le public n’est pas au rendez-vous. À cause des nombreuses références aux films d’Alfred Hitchcock, on l’accuse de n’être qu’un plagiaire du grand maître du suspense. 
En 1983, Brian De Palma réalise une nouvelle version baroque et hyper violente de Scarface, sur un scénario d’Oliver Stone d’après celui d’Howard Hawks et Ben Hecht. On y découvre un Al Pacino grandiose en psychopathe cocaïné jusqu’aux tréfonds des sinus, et le film révèle Michelle Pfeiffer. Évidemment, la critique n’est pas tendre, et ne le sera pas non plus avec son prochain film. En 1984, De Palma signe Body Double qui offre son premier grand rôle à Melanie Griffith dans ce qui sera le dernier thriller en hommage à Hitchcock, où les références fourmillent. La scène du meurtre à la perceuse longue mèche a fait pleuvoir des articles de presse incendiaires. Abandonnant temporairement ce genre qui a fait sa réputation, il tente une comédie, Wise Guys, qui sera un échec, puis réalise The Untouchables d’après la célèbre série télévisée. 
Marquant le début de la collaboration entre De Palma et Ennio Morricone pour encore deux films, le film vaudra l’Oscar à Sean Connery et lancera simultanément les carrières de Kevin Costner et Andy Garcia. Grâce à cet immense succès, il peut se permettre de réaliser un sujet plus sensible et qu’il a toujours voulu porter à l’écran : l’histoire vraie du viol d’une jeune Vietnamienne par des soldats américains pendant la guerre du Vietnam. Ce sera Casualties of War où il dirige ainsi Michael J. Fox à contre-emploi, avec également Sean Penn. Le succès est cette fois manquant, et la critique trouve encore le moyen de tirer à boulets rouges sur De Palma, comme Village Voice qui met la photo de De Palma en couverture.
En 1990, il adapte le roman de Tom Wolfe 
The Bonfire of the Vanities avec Tom Hanks, Melanie Griffith et Bruce Willis, mais le film ne sera qu’un gros fiasco financier et critique, le plus difficile à encaisser pour De Palma. Il reste néanmoins créatif et s’est alors risqué à de nouvelles expériences toujours impressionnantes du point de vue artistique, retournant au thriller en 1992 avec Raising Cain qu’interprètent John Lithgow et Lolita Davidovitch, et qui divise ses fans, 
ou dirigeant Al Pacino dans ce qui est considéré comme l’un des meilleurs polars des années 90, Carlito’s Way, racontant le destin inexorable d’un ancien trafiquant repenti. Entre-temps, il épouse la productrice Gale Anne Hurd, en 1991. Ils auront une fille, Lolita, et divorceront en 1993. Il se remariera en 1995 avec une certaine Darnell Gregorio, avec qui il aura également une fille, Piper, et ils divorceront en 1997.
C’est en 1996 avec Mission: Impossible, interprété par Tom Cruise, Jon Voight, Emmanuelle Béart, Kristin Scott Thomas et Jean Réno, que De Palma connaîtra un succès international (son plus gros à ce jour). Cette adaptation -plutôt libre- de la série culte sera suivie du thriller Snake Eyes, interprété par Nicolas Cage et Gary Sinise, dont le premier plan est impressionnant de virtuosité. En 2000, sort son premier film de science-fiction : Mission to Mars, interprété par Gary Sinise, Tim Robbins, Don Cheadle et Connie Nielsen. Le film est descendu par la critique et le public ne suit pas. De Palma s’installe en France, parcourt Paris en mobylette, et décide d’y tourner un film sur les mésaventures d’une manipulatrice. Marquant son retour au thriller érotique, 
Femme Fatale, réalisé en 2002 avec Rebecca Romijn et Antonio Banderas, démarre sur un audacieux vol de bijoux au Palais des Festivals de Cannes.
En 2005, il réunit Josh Hartnett, Scarlett Johansson, Hilary Swank et Aaron Eckhart pour The Black Dahlia, d’après James Ellroy, film qui déconcerte et son succès est mitigé. Avec Redacted, sur la vie de soldats américains dans la guerre en Iraq, De Palma retrouve le style de ses débuts où il dénonçait la guerre du Vietnam, et refait parler de lui dans les médias américains scandalisés. Il décroche le Lion d’Argent du meilleur réalisateur au festival de Venise. À bientôt soixante-dix ans, avec son très probable projet de faire The Boston Stranglers, Brian De Palma prouve qu’après presque cinquante ans de carrière son désir de faire du cinéma reste intact.
Dirigeant Tom Cruise pour Mission: Impossible
Les cinéastes de ce qui deviendra le « Nouvel Hollywood » parmi lesquels figurent Brian De Palma, mais aussi Woody Allen, Peter Bogdanovich, Francis Ford Coppola, William Friedkin, Steven Spielberg ou Robert Altman pour n’en citer que quelques-uns, dérobent le pouvoir aux sacro-saints studios, et assument pleinement leur position d’artistes. Associée à ces nouvelles figures de la réalisation, une pléiade d’acteurs d’un nouveau genre fait son apparition. Formés pour la plupart à l’Actor’s Studio sous la houlette de Lee Strasberg, ces acteurs (Robert De Niro, Dustin Hoffman, Al Pacino, Ellen Burnstyn, Faye Dunaway, Donald Sutherland, etc.) sont à l’opposé du style classique de leurs prédécesseurs. En 1967, Bonnie and Clyde d’Arthur Penn et The Graduate de Mike Nichols créent un séisme à Hollywood, suivis l’année d’après d’Easy Rider de Dennis Hopper. Ces films exigeants trouvent pourtant un public très nombreux, au grand dam des producteurs du « Vieil Hollywood ».
Avec vingt-cinq mille dollars de budget environ, commencé en 16mm puis repris en 35 à cause d’une caméra défectueuse, son troisième long-métrage intitulé Greetings (1968) voit le jour. C’est l’histoire de trois personnages, Paul Shaw (Jonathan Warden), Jon Rubin (Robert De Niro), et Lloyd Clay (Gerrit Graham) qui s’efforcent d’échapper à leur incorporation militaire pour la guerre du Vietnam. Paul se fait passer pour un homosexuel, Jon prétend faire partie d’une organisation paramilitaire secrète, tandis que Lloyd n’a même pas besoin de subterfuge pour se faire percevoir comme un indésirable aux yeux de l’armée. Réalisé en deux semaines avec beaucoup d’improvisations de la part des acteurs, le film reflète l’esprit des années soixante : la révolution sexuelle, l’appel pour le Vietnam, et l’assassinat de John Fitzgerald Kennedy. Dans l’attente des décisions pour le service au Vietnam, chaque personnage se défoule à sa manière. Lloyd Clay, et sa quête de la preuve d’une conspiration contre JFK, est peut-être le personnage le plus intéressant du film.
La version officielle de cette tragédie est effectivement beaucoup remis en cause, notamment par des personnes qui cherchent à prouver qu’il s’agit d’un complot à haute échelle. L’événement et surtout l’investigation qui a suivi ont définitivement marqué le cinéma de Brian De Palma. Lors de cette visite pré-électorale, à Dallas le 22 novembre 1963, le cortège avec la limousine présidentielle décapotée traverse la ville à petite vitesse, salué par la foule amassée, quand les coups de feu éclatent. Le « film Zapruder » (film amateur à présent connu dans le monde entier, du nom de celui qui a enregistré les images) ne dure que quelques secondes, mais montre les terrifiants derniers instants du président américain. On le voit d’abord touché au niveau du cou. Assis devant lui, le gouverneur Connally est blessé à la poitrine. Puis une gerbe de sang jaillit de la tête de JFK. La limousine accélère et disparaît. On le déclare mort une fois transféré au Parkland Hospital. Selon les conclusions des deux enquêtes gouvernementales menées, Lee Harvey Oswald est l’assassin du président. Il n’a jamais été jugé car deux jours après son arrestation, il est mort assassiné devant les caméras. Le film Zapruder est réquisitionné pour l’enquête et les premières images paraissent sous forme de photographies en série dans Life magazine. Chaque cliché peut être ainsi analysé, et ceux qui adhérent à la théorie du complot les étudient en y trouvant des anomalies, notamment dans les mouvements de têtes de Kennedy.
Le principal intérêt de la pièce de Dionysus, est que les acteurs interagissent avec le public venu les voir jouer. En s’interrogeant sur la façon de rendre ça cinématographiquement, De Palma en est venu à la conclusion que l’idéal est de filmer avec deux caméras, et de monter le tout en split-screen (l’écran partagé, technique consistant à diviser l’image en plusieurs parties). Parfois, sans doute pour masquer le moment où un des deux cameramen coupe pour changer de bobine, les deux cadres sont identiques, ou bien un effet de style répéte l’image du cadre d’à côté à l’envers, façon "miroir", ou bien la partie est simplement noire. Autrement, De Palma filme la pièce en plan séquence, dans le cadre gauche (dans le cadre de droite, ce sont les images du second cameraman, Robert Fiore, qui se concentre sur l’interaction de la pièce avec le public). De temps à autres, De Palma et Fiore apparaissent dans le champs de l’autre.
De Palma reprend De Niro mais aussi également Allen Garfield et Gerrit Graham, dans de nouveaux rôles. Charles Durning (qui jouera ensuite dans Sisters et The Fury) fait une apparition dans la très drôle scène d’ouverture. De Palma choisit également son ex-petite amie, Jennifer Salt, pour jouer le rôle de Judy Bishop, la voisine que Rubin observe et finit par épouser. L’actrice a fait ses études de cinéma au Sarah Lawrence College avec De Palma, et ce dernier la fait jouer en 1964 dans Jennifer, un court-métrage qu’il réalise pendant une interruption du tournage de The Wedding Party dans lequel elle joue également.
Le film est une satyre du capitalisme, racontant l’histoire de Donald Beeman, cadre dans l’entreprise du richissime Turnbull (John Astin). Donald décide de tout plaquer pour prendre des cours de claquettes et de magie avec Mr. Delasandro (Orson Welles), puis fait une tournée de représentations dans des bars infâmes, avant de devenir rapidement un prestidigitateur et danseur de claquettes reconnu. Un jour, en revoyant Turnbull ruiné et devenu alcoolique, il finit par l’embaucher. Mais Turnbull, entrepreneur dans l’âme, décide de monter une véritable industrie de loisirs autour de l’expérience de Beeman. Les gens s’habillent comme Donald, apprennent les claquettes et les mêmes tours... Du coup, il se retrouve à la tête de l’entreprise qu’il a créée malgré lui, avant de s’en échapper à nouveau.
La Warner ne comprend pas le désir d’innover de son réalisateur. Malgré tout, De Palma parvient à tourner des séquences très réussies, comme celle d’ouverture, au cours de laquelle la caméra suit en plongée verticale Beeman dans son appartement, et qui préfigure des plans majestueux à la Snake Eyes. Pas très compréhensive vis-à-vis des exigences artistiques de De Palma, la firme finit par renvoyer le cinéaste avant le montage de son film. Dans le livre d’entretiens par Blummenfeld & Vachaud, De Palma évoque une autre raison : pendant une soirée, De Palma a tourné en ridicule Ted Ashley, qui dirige alors la Warner, pendant une blague avec Martin Scorsese. La semaine suivante, il est viré.
